現在回覆實體班回饋單上的問題。
這是一個很棒的問題，因為它跳脫了
「編劇說了算，不符合劇本就是亂改」的思維，
進入到一種合作模式。
是的，影視是一種合作，
編劇、導演、演員、攝影、燈光、美術，
每個環節都有專業人員參與，
替最後的成果增色。
編劇不可能知道所有事，
也不可能擅長所有事，
作品會因為每個人的專業而變得更好。
通常我們在講授一門專業時，
大多是從兩個思路出發：
1. 我的專業，本質上是什麼？有哪些工具？
2. 在我的專業中，我能做些什麼？
所以你會發現，不同的專業，
會對一份工作的分工，
產生不同的想法。
以導演為例，
如果你讀過大衛馬密的《導演功課》，
就會看到他是如何界定「導演」的工作，
他會要求你專注在你想表達什麼，
分解成最基本的步驟，
把鏡頭、演員表演都儘可能的簡單化，
利用分鏡、蒙太奇，說你的故事。
所以他會說：
「不要去管角色心中想什麼，
不要和演員討論怎麼詮釋，
你要做的就是要演員做最單純的表演，
越簡單越好。」
為什麼他會這麼說？
因為當你掉入去和演員討論詮釋時，
你就開始依賴演員了，
演員詮釋得好，你就拍得好，
演員詮釋得壞，你就拍得壞。
如果是這樣，那要你導演何用？
同樣的，如果你花太多心思在構圖、花俏的鏡位，
那你又變成在依賴攝影師。
如果攝影師功力好，作品就好，
攝影師功力差，作品就差，
那要你導演何用？
所以在大衛馬密的概念中，
導演說故事真正的工作，
就是「翻譯」劇本，
規劃一個又一個的分鏡，
利用這些不相關的鏡頭，
來說一個你詮釋的故事。
所以他才會說：
「鏡頭、表演，越簡單越好。」
但這無疑是站在導演的立場說的話，
在演員的立場，他會想：
「如果演員就是隨導演擺弄的道具，
那我算什麼？我的專業又是什麼？
除了起立、坐下、快快走，我還能做什麼？」
於是有了不同標準下的「演技好壞」，
同樣是哭，怎麼哭更好看？
同樣是哭，什麼才是更符合角色的哭？
但最終這些東西都會混合在一起，
編劇給的藍圖、導演的詮釋規劃、
演員的執行、攝影師的構圖、
美術的佈景、後製的剪輯……
大家都在用自己的專業替作品加分，
這些分數可能會彌補其他人的失分，
或是增加作品的總分。
現在的遊戲規則是導演決定要或不要，
所以最後的成品是導演的作品。
但事實上，成品很好，
也可能其實導演無腦，
但其他人的優秀彌補了他的缺陷，
甚至替他做了他該做的工作。
編劇也是，雖然想替編劇維權，
但也無法否認有時編劇真的寫得很差，
是導演和演員的修本和調整才救了作品。
演員也是，有時演員演技很差，
但就是因為導演和劇本的優秀，
使他成了廣受歡迎的明星。
這很難，就像一間公司的成敗，
很多時候都是歸於CEO，
但實際情況並不一定。
既使是業內的專業人士，
在資訊不對等的情況下，
有時可以看得出誰是真正優秀的，
但有時還是會存在誤判。
所以回到問題本身，
編劇、演員、導演、製片甚至金主，
都可能參與了意見，做了決定，
有時也沒有什麼決定，
演員本身的氣質就決定了角色，
連他自己也無法決定。
（當然，選擇用他，就是導演和選角的決定）
大衛馬密甚至很大膽的說：
不要去設定你角色的性格。
因為角色性格是他所有行為的總和，
而且要理解你的故事，
角色不一定要有特定的性格。
所以比起你去設定，逼演員詮釋，
還不如專注在設計分鏡和行為，
更能精準的傳達你想傳達的故事。
但這仍然是他站在編導立場說的話，
我們應該試著去理解他的真意，
而不是受限在他表面的字句。
