編劇在劇本上必須將畫面的描述到什麼程度，而不會過度指導演員，以及干擾導演，又可以把編劇心中真正的想法完整呈現？要回答這個問題，就必須好好認識導演、演員、編劇的任務區隔做充分的認識，才會更清楚知道該怎麼拿捏劇本裡的描寫。
導演、演員、編劇都有各自說故事的工具
這裡的任務區隔，不是技術上的說，演員負責演戲、編劇負責劇本、導演是總舵手這樣的概念。我更想和大家聊聊，這三者的專業在「說故事」這件事上，到底各自扮演什麼樣的位置。
1.演員說故事的工具
演員說故事的工具，就是他的肢體、表情與聲音。劇本提供了角色，和角色所面對的一個又一個的情境，演員讀完劇本，會對自己要扮演的角色有一個詮釋的想像，而他會利用他的工具，把這個角色演繹出來。
2.導演說故事的工具
導演說故事的工具，則是畫面。畫面包含了拍攝角度、光線、色調、聲音、演員調度等等，觀眾坐在戲院裡會感受到的一切。導演在讀劇本時，會開始想像要怎麼把文字轉換成一個又一個的畫面，把劇本詮釋出他希望完成的感覺。
3.編劇說故事的工具
那編劇說故事的工具是什麼？很多人都以為是文字，但其實編劇說故事的工具不是文字，文字只是表達出你想像的媒介，但因為你所寫的文字幾乎有一半都不會被看見（只有對白會被「聽見」），所以你說故事的工具是「結構」。
為什麼編劇說故事的工具是結構？
結構就是元素組合的方式。哪個場景要在前，哪個場景要在後，是結構；一個場景中什麼地點什麼時間什麼角色發生什麼衝突採取什麼行動導致什麼結果，是結構；一個擁有什麼背景能力價值的角色，經歷了什麼樣的冒險挑戰，最後收獲了什麼成果，是結構。
試想，如果《鐵達尼號》的角色改成女生沒錢男生有錢，它整體被呈現的感覺還會一樣嗎？如果改成撞上冰山主角最後沒死，有情人終成眷屬，感覺還會一樣嗎？如果船換成中國的船呢？如果船換成飛機呢？這些更動之後，故事還會是同一個故事嗎？
有發現嗎？我根本就還沒進入劇本的「文字」，你就已經可以感受到差異了。所以編劇說故事的工具不是文字的描寫，而是提供各式各樣的組合，來達到你想傳達的情感、主旨。
在專業能力均等的情況下，編劇、導演在身體聲音的運用上，一定不如演員；演員、編劇在畫面的經營上，一定不如導演；而演員、導演在結構的安排上，一定不如編劇。
既然不如別人，又何必插手比你更專業的人的工作呢？
所以演員不喜歡看到編劇限制他的身體、聲音與表情，導演不喜歡看到編劇限制他的拍攝角度、光影色調或背景音樂，因為一來你做的不一定有他好，二來如果你都做完了，他們要做什麼呢？
編劇應該專注在其真正的工作
編劇真正的工作，是在搭建舞台，讓導演、演員能發揮他們的長才。演員喜歡看到的本，是一個角色他覺得「如果由我演，一定很好看」。導演喜歡看到的本，是一個場景他覺得「如果我來拍，一定很好看」。他們一點也不希望花時間去弄一個作品，來告訴大家「編劇很厲害」，他們更希望觀眾覺得「我很厲害」。
所以最開頭的提問，在第一時間就搞錯方向了。如果你要我給予一個原則的建議，到底該描寫畫面到什麼程度才好？我會說，越少越好。因為我們的工作，本來就不是描寫畫面。
我們只需要明確的指出，什麼地點、什麼時間、什麼情況、角色說了什麼話，做了什麼事。這裡的「做了什麼事」不是指「他倒了一杯水，喝了一口，繼續說」、「他歪頭想了想」這種事，而是指「他刺死了對方」、「他撿到一本筆記」、「他唱了一首歌」這種事。
你要寫的，是你如果不寫，結構就會崩壞、情節就無法推動、動機就無法成立、角色就無法被理解的東西。不要花太多力氣去把你腦中的畫面寫出來，因為那不是你的工作，畫面是導演的工作。
重要的是你安排男女主角重逢了，而不是他們重逢時到底抱了幾次親了幾下笑得有多燦爛。重要的是你設計出一個場景、一種情境，讓導演和演員覺得有發揮的空間。重要的是你安排了一種故事的順序，創造出驚奇、懸念與啟人深思的主旨。重要的是你設計出了一個角色，讓我們看到他一個又一個的決定後，變成一個有趣的人物。
以《我只是個計程車司機》為例
我舉《我只是個計程車司機》為例，編劇先讓我們看到角色調皮但不失善良的性格、不屑學運的態度、家庭缺錢的情境。然後安排他為了錢踏上旅程，和坐在車上的記者發生矛盾，想進光州卻進不去，想離開又離不開，旅程漸漸走樣，他看見了和他想像不同的學運樣貌，和之前討厭的每個人都成了朋友，發生了最可怕的事，他讓我們瞭解到他的過去與他的脆弱，他決定離開，卻又選擇回去。他遇到了生命的危險，但他堅持到底，最後成功解救記者脫險。他擁有成為英雄的機會，但他卻甘於平凡。
發現了嗎？這是結構。依著這個大結構，設計場景。再依著場景，設計對白。這是大結構下的小結構。這才是編劇的工作。
